Entrevista a Sergio Cardozo – Por Luis Viviant Arias

El bailarín, fotógrafo y maestro de danza contemporánea argentino, que reside en España hace 30 años, nos aportó su mirada y pensamiento sobre la cultura, porque en el arte “no vale todo” y no concibe que en España con la riqueza de músicas y danzas que tiene no haya programas de televisión estables de estos géneros.

Sergio Cardozo nació en la ciudad de Vera, Santa Fe, Argentina. De ascendencia italiana, belga y española, desde niño su sensibilidad lo llevó a múltiples experiencias en el arte y el deporte. Desde típicas representaciones escolares durante la escuela primaria a su afición por la fotografía y la danza contemporánea.

Su necesidad por expresarse corporalmente lo transportó primero a ser profesor de educación física, aunque siempre sintió “el gusanillo por la danza” hasta que empezó a recorrer su camino, porque “la educación física me limitaba mucho, está muy bien el entrenamiento corporal, pero con la danza llegas a conocer cada rincón de tu cuerpo”.

En 1986 establece su residencia en Buenos Aires y realiza la carrera de Expresión Corporal profundizando en técnicas de danza contemporánea. “Lo importante que tiene la danza es la disciplina y la constancia, son los pilares fundamentales, no se trata de llegar al virtuosismo sino poner las ganas y la intención de hacer las cosas lo mejor posible”.

Cardozo es muy crítico al afirmar que “lo que no me gusta es la llamada vanguardia donde no se baila, porque una persona que camine todo el escenario y tarde media hora en realizarlo es para decirle ‘báilame’, que para eso he pagado una entrada”, aunque comprende que la esencia es volver “a lo básico”, sostiene que el artista debe brindar un plus porque “si solo me ofreces eso me siento en el banco de una plaza, veo a la gente pasar y me voy a divertir mucho más”.

No solo la danza contemporánea es su gran pasión también la fotografía que lo acompaña desde su niñez e inicio junto a su hermano Martín con la antigua cámara de blanco y negro de su padre, pero recuerda con una sonrisa y una mirada de niño pícaro cuando tuvo su primera cámara digital: “Empecé a jugar desesperadamente con las imágenes y ahí llegó la obsesión por la fotografía”.

“La fotografía es un estado de ánimo, la inspiración del momento o con la luz que te encuentres en ese tiempo” pero tiene muy claro que “la fotografía es observación y la capacidad que tiene uno para llevarla a cabo”, pero de repente se cuela nuevamente en la conversación la danza “en donde también aplico la observación, la mirada, porque cuando realizas un movimiento observas que músculos mueves para hacer cada ejercicio con los ojos, con la cara, con la expresión, por eso la fotografía y la danza van juntas en ese aspecto”.

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Antonio Najarro, amor, pasión y vocación creadora de la danza española - Por Sergio Cardozo

Entrevista fue realizada en el abril 2021 y publicada en la revista DANZA EN ESCENA Nº 49 de la Casa de la Danza de Logroño. Publicación disponible en redes (AQUÍ)

  Luis Saguar - Mariposa roja

Conociendo su trayectoria, Antonio Najarro es un creador nato. Hijo de familia malagueña, pero madrileño de nacimiento (1975), despertó su vocación por la danza cuando una de sus primas le lleva a bailar a la feria de Málaga a los seis años, y fueron muchas más desde entonces. Con ocho años se matriculó, cursó y aprobó con matrícula de honor, los estudios de Danza española en el Real Conservatorio de Madrid. 

Con quince años comienza a bailar para las mejores compañías privadas y de la mano de los grandes creadores de los distintos estilos de la danza española como el Ballet Antología, Ballet del Teatro Lírico de La Zarzuela, Compañía Antonio Márquez, José Antonio y los Ballets Españoles y Compañía de Aída Gómez. En 1997 ingresa al Ballet Nacional de España y en tres años promueve a primer bailarín.

Con su obra “Nereidas” (1999), gana el primer premio en el Certamen Coreográfico de Danza Española y Flamenco de Madrid, en 2002 crea su propia compañía y en 2011 es nombrado Director del Ballet Nacional, cargo que ocupa durante ocho años, tras lo cual retoma con su propia Compañía con “Alento”

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ANAEL MARTÍN, la maestra cubana del Ballet radicada en España - Por Sergio Cardozo Perot

NOTA DEL AUTOR: la siguiente entrevista fue publicada de manera más resumida en la revista Danza en Escena Nº 48 (Ene-Feb-Mar 2021) AQUÍ, pero deseaba compartirla de forma completa, en agradecimiento a la tremenda generosidad que tuvo para compartir pasajes y anécdotas de su vida.

Desde Danza en Escena, siempre hemos intentado recordar y valorar el trabajo de esos grandes profesionales, muchas veces anónimos, que en realidad son los verdaderos artífices de la danza: LOS MAESTROS Y MAESTRAS. Sin esos grandes profesionales, se hace más que evidente, no habría grandes bailarines y bailarinas encima de un escenario.

En esta ocasión, entrevistamos a Anael Martín, que con la misma generosidad que desprende en sus clases o ensayos, nos comparte algunas de sus vivencias profesionales y personales, con el bagaje inconmensurable de su vida como bailarina en el Ballet Nacional de Cuba, y como maestra de ballet, radicada hasta hoy día en España.

Nos cuenta que su verdadero nombre es Ana Elena Martin Eyia, “la combinación del nombre de mis dos abuelas, Ana la española y Elena la libanesa”

Hija de familias modestas, nació en La Habana, Cuba, el 30 de junio de 1957, dos años antes de que Fidel Castro hiciera triunfar La Revolución. Su madre Hilda Eyia Suri, hija de libaneses, logró doctorarse en Magisterio y su padre Gudelio Martin Rebelles, hijo de españoles, lograron abrirse camino en esa sociedad y trabajaron en el Ministerio Comunicaciones.

-¿Cómo fue su infancia en su Cuba natal y cuál fue su motivación o las circunstancias que le llevaron a acercase a la danza?

En Cuba fui una niña feliz, nací al principio de una “Revolución”, con hermosos e ilusionados jóvenes que tenían ganas de hacer cosas maravillosas para el pueblo de Cuba. Los años 60 fueron un hervidero de ideas, de altruismo, de ilusiones y de amor compartido.

Yo no conocía el ballet, pero si sabía que quería subir a un escenario, de hecho, lo hacía a menudo. Mi padre escribía poesías que aprendía de memoria y recitaba en todos los actos públicos que realizaban en la Empresa Telefónica, donde ellos trabajaban. Mi madre aprovechando ese aparente instinto artístico, me llevo a hacer las pruebas para la Escuela Provincial de Ballet de la Habana, donde cursé mis primeros 4 años de Formación Elemental de Ballet. Corría el año 1968 y yo acababa de cumplir 11 años.

En mi caso no conocía mucho de danza, alguna vez había visto algo de ballet por la tele. Ningún precedente artístico en mi familia, aunque al principio de la Revolución se crearon muchos grupos aficionados de música y teatro en los centros de trabajo y mis padres, trabajadores de Comunicaciones, ambos, cantaban en una coral. Mi padre además estaba en el grupo de artes dramáticas.

La danza se benefició de aquel período tan constructivo por lo cual Fernando y Alicia Alonso pudieron crear, gracias a un generoso presupuesto para la época, el Ballet Nacional de Cuba y por ende la Escuela Nacional de Ballet donde podían estudiar gratuitamente todos los que tuvieran esa vocación, con solamente pasar las pruebas de aptitud.

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Rubén Olmo, Director Artístico del Ballet Nacional de España - Por Sergio Cardozo

Entrevista publicada en DANZA EN ESCENA Nº 47 (Noviembre-Diciembre 2020). Publicación disponible en redes (AQUÍ)

Fotografías: James Rajotte

Rubén Olmo (Sevilla, 1980), Premio Nacional de Danza 2015, se ha incorporado al Ballet Nacional de España en septiembre de 2019 con la intención de trabajar para la preservación, la difusión y la movilidad del repertorio tradicional de la Danza Española, incorporando además nuevas creaciones y abriendo las puertas a las vanguardias y la experimentación. 

Ésta supone su segunda etapa en el BNE, compañía de la que formó parte como bailarín entre 1998 y 2002. 

Desde 2011 ejerció como director del Ballet Flamenco de Andalucía, institución dependiente de la Junta de Andalucía, con la que estrenó montajes propios como Llanto por Ignacio Sánchez Mejías o La muerte de un minotauro. Anteriormente, formó su propia compañía, para la que creó espectáculos como Érase una vez, Belmonte, Las tentaciones de Poe, Horas contigo, Naturalmente Flamenco y Diálogo de Navegante. 

También ha colaborado como coreógrafo o bailarín con figuras destacadas de la danza española como Aída Gómez, Antonio Najarro, Eva Yerbabuena, Víctor Ullate, Antonio Canales, Rafael Amargo, Isabel Bayón y Rafaela Carrasco.

-Desde muy niño ha tenido la necesidad innata de bailar ¿nos puede contar cómo surge esa inclinación hacia la danza, o si hubo un momento puntual que vislumbrara la posibilidad de abrazar esta profesión?

Cuando tenía dos años vi bailar a niños de todas las edades de una academia de flamenco en las fiestas del barrio de mis abuelos y empecé a imitarlos. Mi familia se dio cuenta de que me gustaba el baile y me apuntaron a esa academia. Pero no fue hasta que, unos años después, vi en televisión la película Carmen, de Carlos Saura, con Antonio Gades, y entonces comprendí que la danza era algo serio. Ese fue el momento en el que la danza me deslumbró y me hizo abrirme a otros caminos, fue lo que me hizo decidirme para entrar a los 9 años en el Conservatorio de Danza de Sevilla.

-¿Ha tenido un su entorno familiar, ejemplos que le estimularan a su inclinación hacia las artes?

No me he criado en un ambiente artístico, pero sí he tenido todo el apoyo para que siguiera ese camino. No puedo pensar en mejor ejemplo que el sacrificio de mis padres para que pudiera estudiar.

-Después de haber tenido su propia compañía con tan solo 23 años y de dirigir el Ballet de Andalucía, ¿qué le impulsó a presentar un proyecto a la compañía estatal?

Siempre he tenido muy claro lo que quería en mi vida artística. Decidí asumir la gran responsabilidad de crear mi propia compañía cuando era muy joven, y he montado muchos espectáculos, tanto para ella como para otros artistas y para el Ballet Flamenco de Andalucía. Tras esa trayectoria, en ese momento sentí que era un paso natural para mí presentarme como candidato a dirigir el Ballet Nacional de España.

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JOSÉ CARLOS MARTÍNEZ, bailarín estrella de la Ópera de París y coreógrafo - Por Sergio Cardozo

La entrevista fue realizada con motivo del estreno de "Corsario" en la Ópera de Roma, para el Nº 46 de la Revista "Danza en Escena" de la Casa de la Danza de Logroño, en marzo 2020. (Disponible en redes AQUÍ).

El español José Carlos Martínez estrena una nueva versión de “Corsario”

José Carlos Martínez inicia su carrera como director y coreógrafo para otras compañías del mundo y grandes eventos internacionales.

El día 1 de marzo se realizó el estreno mundial por el BALLET DE LA ÓPERA DE ROMA, de esta nueva versión de Corsario con la dirección y coreografía de José Carlos Martínez, (basada en la de Petipa). El próximo 9 de abril la estrena con producción nueva, en el TEATRO NACIONAL ESLOVENO DE ÓPERA Y BALLET DE LIUBLIANA.

(Fotografías de ensayos y estreno en la Ópera de Roma de Yasuko Kageyama. La entrevista fue realizada antes del estreno de la obra)

¿Qué cosas le motivan al plantearse la revisión de los ballets de repertorio?

La idea de versionar este clásico no es una idea mía, es de la directora del Ballet de la Ópera de Roma Eleonora Abbagnato, quien tenía ganas de renovar este clásico en una institución que tiene casi todos los ballets de repertorio (la última versión fue en el 2007-2008 con la antigua dirección). Querían tener una versión nueva y confió en mí para realizarla. Habíamos sido compañeros como estrellas de la Ópera de París y ya había bailado obras mías, así que ya me conocía como coreógrafo.

¿Qué significa para usted enfrentarse al reto de versionar un clásico de repertorio?

Versionar un clásico de repertorio siempre es todo un reto por muchas razones. Primero porque son ballets muy conocidos, hay un peso de la tradición y en la gente genera expectativas con lo que debe ser un ballet clásico. El reto consiste en actualizar un ballet quedándose con la esencia de la obra, pero a su vez es lo más interesante. Lo que me gusta es dar un toque personal a las obras a la vez que respetar lo que se hizo antes, aunque no me gusta hacer reconstrucciones históricas, que, si bien es interesante, prefiero hacer versiones más libres inspirándome en lo que conozco, buscando material histórico sobre la obra para poder tomar mis propias decisiones de lo que me gusta y de lo que no.

También creo que es importante para los clásicos de que haya nuevas versiones, que no traicionen la esencia del ballet pero que se adapten un poco a nuestros tiempos y que se adapten a la visión del espectador al día de hoy; no dejar de lado la técnica clásica, pero si aprovechar las cualidades físicas del bailarín actual. Renovar estos ballets clásicos me parece importante para que sobrevivan, sin quedarse parados en una época. No olvidemos que la danza es un arte que se renueva en cada puesta y en cada función, no es como un cuadro que permanece estático.

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PERFECTO URIEL, Director de la Casa de la Danza de Logroño - Por Sergio Cardozo Perot

La Casa de la Danza de Logroño, única institución de estas características en España, cumple su mayoría de edad y, por eso, he querido entrevistar a su creador y fundador, para conocer un poco mejor algunas etapas de su vida profesional y de estos años al frente de esta Casa-Museo como director.

Perfecto Uriel en el Bosque de la Danza

PERFECTO URIEL MORENO, nació en Torrecillas en Cameros (1954), un municipio de la provincia de La Rioja. Nada más acabar con sus estudios obligatorios, con tan solo 18 años, se traslada a París para estudiar Historia y Literatura Francesa, en la Universidad de la Sorbona, compaginándolo con su preparación en danza y teatro.

Al terminar sus estudios se establece en Londres, donde sigue su formación en danza en “The Rose Bradford College” y en “The Place”. Tiempo después, realizará un MASTER en Pedagogía de la Danza Clásica, especialidad infantil, en el Ballet de la Ópera Nacional de Varsovia.

En breves períodos de tiempo, a finales de los ’70 y principios de los ’80, visita Canadá y Venezuela donde desarrolla su labor coreográfica y de intérprete, tras lo cual se instala en Madrid durante tres años, donde continúa su perfeccionamiento en Mimo y Pantomima con Julio Castronuovo y Expresión Corporal con Marta Schinca, colaborando en los espectáculos como ayudante para el primero de ellos.

Por esas cosas del destino, es requerido para dirigir el Departamento de Movimiento y Danza para actores en la, ya desaparecida, Escuela de Teatro de la Comunidad Autónoma de La Rioja. Allí trabaja con diferentes compañías, nacionales e internacionales, y también se encarga de la coordinación, dinamización y dirección de un grupo de animación cultural teatral Tabacalera Acción Teatral con los alumnos del centro.

Durante los últimos años, y hasta la actualidad, realiza labores de docencia de danza en escuelas e instituciones de Logroño y otros municipios; aunque también participa en varias ocasiones en los montajes teatrales medievales como director en Calahorra, Nájera y Oña (Burgos).

Nos cuenta que ha sido colaborador de diferentes publicaciones: “Por la Danza” (Madrid), “Zaradanza” (Zaragoza) y “Tiempo de Danza” (Murcia), y crítico oficial del periódico “La Rioja” durante más de una década. Actualmente es el coordinador de la revista “Danza en Escena” de la Casa de la Danza en Logroño.

La Casa de la Danza de Logroño

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