Un paseo por el videodanza – LA GENIALIDAD DE PHILIPPE DECOUFLÉ – Por Sergio Cardozo

PHILIPPE DECOUFLÉ
La expresión de un genio

En el post del etiquetado “Un paseo por la danza: Bailando con las manos” incluí una de las joyas ante la cámara firmada por este gran creador de danza contemporánea francesa: LE P'TIT BAL. 

En la entrega de hoy deseo profundizar un poco más en su biografía y visionar pequeñas escenas de algunas de su extensa obra videográfica.

Nacido en 1961 y con tan solo 18 años Philippe Decouflé entró a formar parte de la compañía de uno de los precursores de la danza: Alwin Nikolaïs. Anteriormente había asistido a la Escuela Nacional de Circo en Francia, completando su formación en mimo con Marceau. Aprendió también de Merce Cunningham en Nueva York y bailó para R.Chopinot y K.Armitage.

En 1983 ganó el primer premio en uno de los concursos más prestigiosos de Europa de danza contemporánea Concours de Bagnolet con “Vague Café”. Ese mismo año fundó su propia compañía, la DCA (Diversité, Camaraderie, Agilité).

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REVISTAS DIGITALES DE DANZA I

La entrada lleva el número uno porque habrá un número dos, claro. Y lo habrá por la cantidad de información que hay para difundir entre los lectores amantes de la danza. Amantes de la danza, pero sobre todo lectores.

Sin lugar a dudas hemos pasado de la era de la imagen a la era digital, cualquier noticia o información nada a sus anchas por estas redes, pero se hace preciso tener objetivos claros en la búsqueda de ellas.

Resulta baldío desde este blog de difusión de danza intentar debatir la actual lucha entre publicación en prensa versus publicación digital; lo cierto es que una pantalla de ordenador no sustituirá a las publicaciones en papel; ambas existen y deberán aprender a convivir si seguimos creyendo que ambas intentan acercarnos sus contenidos.

Hablamos aquí de publicaciones digitales en formato de revista y no simplemente de webs o blogs dedicados a la danza, aunque también intentaré informar sobre aquellas que considero interesantes por sus contenidos, desde mi humilde criterio claro está.

Creo que si cada escuela de danza privada u oficial y cada profesor de esas escuelas estimularan a sus alumnos la lectura de las publicaciones de danza en papel, éstas no hubieran sucumbido al dramático proceso de desaparición en estos últimos tiempos (hoy día sólo sobreviven “Por la Danza” y “Susy Q” editadas en Madrid).

Mi deseo es que no corran la misma suerte las publicaciones digitales y que todos contribuyamos a apoyarlas y difundirlas. Sea en papel o digital existe un equipo inmenso de personas que nos  comparten sus opiniones, críticas de espectáculos, información histórica o médica y en general la actualidad del quehacer de coreógrafos, compañías, bailarines, etc.

De las seis revistas que comparto hoy, las tres primeras son en las que encontraréis información más actualizada, las otras tres puedes archivarlas para tirar de hemeroteca.

Bienvenido al viaje de la difusión de la danza y hasta la próxima entrega. Sergio.

Aquí están las sugerencias....

Técnicas Escénicas para la Danza. EL VESTUARIO. Por Sergio Cardozo Perot

Desde las máscaras y túnicas que utilizaban los griegos como precursores del teatro occidental, el tratamiento del vestuario en escena ha sufrido importantes variaciones en función de la evolución de la propia humanidad. Uno de los aspectos fundamentales del vestuario en escena en aquellos inicios era el color y el material con que estaban confeccionados los trajes como verdaderos símbolos para definir los personajes y hasta la propia dramaturgia de las obras representadas. Desde aquel teatro clásico, pasando por el medieval y los siglos del renacimiento el traje escénico ha sufrido variación en función del estilo y dramaturgia de las puestas en escena; pero no es la pretensión desde aquí hacer historicismo al respecto.

Figurinistas y técnicos de realización del vestuario son los profesionales involucrados en esta tarea que puede alcanzar tal magnitud en la producción que incluso a veces se suele recurrir a los grandes diseñadores de moda para prestigiar las representaciones. Dentro de las técnicas de vestuario incluyo también a la secciones de peluquería, zapatería y maquillaje.

Según se trate de teatro realista o de verosimilitud y hasta llegar a la gran revolución escénica de la vanguardia surgida  con los Ballets Rusos de Diaghilev, la ropa en escena puede cumplir muchas funciones y también cuenta historias; quizás la mayor función es la evocadora: momento histórico, geográfico, cultura, oficios, estados de ánimos y un largo etcétera en donde a veces se incluye la propia expresión del personaje y gestos.

Como suele suceder a lo largo de la historia, no nos podemos olvidar ni siquiera en este tema, el de los usos y modas de cada época donde el vestuario y la propia desnudez formarán parte del hecho escénico. Pero mucho más allá está la magia de la teatralidad que es capaz de crear el vestuario y trasvasar incluso los límites de lo imaginable, creando verdaderos mundos a veces irreconocibles.

Desde Noverre que nos sugería -en “Cartas sobre la danza y los ballets”- la idea de la búsqueda de un espectáculo completo e integrado, muchos son los artistas que tuvieron las miras de que cada elemento de la representación tuviera que ver con el sentido que intentaba transmitir un espectáculo. A veces por falta de talento y en muchos casos por falta de medios (sobre todo económicos), el tema del vestuario es algo que también suele no adecuarse a las necesidades ni de la idea, ni de los intérpretes o de las posibilidades expresivas que éste representa.

Como suele suceder algunas obras escénicas de los grandes creadores e innovadores han servido y seguirán sirviendo para abrir sendas a la creatividad para otras generaciones; sin embargo a veces se limitan solo a copiar formas y no conceptos expresivos.

He aquí algunos ejemplos que me resultan recurrentes por el acierto de medios expresivos del vestuario utilizado aunque hay muchos más creadores para que sigamos conociendo con respecto a este tema... Bienvenido a esta velada...

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La danza en el cine: STEP UP y sus secuelas - Por Sergio Cardozo

He aquí la sección para conocer algunos de los títulos del cine en la que la protagonista es la danza o donde la danza es más que una mera excusa para contar historias. La relación que desde un principio ha tenido el cine con la danza es por todos conocida. No pretendo contar la cronología de dicha relación sino simplemente compartir con los lectores algunas pinceladas al respecto. Sergio

En esta entrega y con el nombre “STEP UP” encontramos una saga de 4 películas donde gracias al manido tema “chico conoce a chica y viceversa” encontramos la fusión entre la danza más académica y la danza de calle.

Aunque con algunos altibajos en los guiones y cuyos resúmenes en cada una de las entregas no desvelaremos aquí, son cuatro ejemplos para contar alguna historia donde: TODO ES DANZA.

El tema central de las películas ES LA DANZA; sus protagonistas BAILAN y hasta el propio conflicto de la trama es LA PROPIA DANZA que enfrenta al academicismo y a la danza de calle.

Con un lenguaje claro y directo nos acerca a parcelas de la vida y costumbres de la juventud actual, lo que supone un elemento de motivación para los jóvenes espectadores que en seguida quedan atrapados por la pantalla que se llena de música y baile. Cuatro historias algo más que previsibles pero llenas de escenas divertidas y entretenidos números musicales para disfrutar, como bien nos tiene acostumbrado el cine musical americano, con temas como los conflictos de estratos sociales, romances, espíritu de aventura y de sueños compartidos o en fuego cruzado.

Os dejo la ficha técnica de cada entrega y algún número musical de cada una de ellas. Seguro que la encuentras en cualquier tienda y también por estas redes. Interesantes producciones para cualquier estudiante, profesional o aficionado/a a la danza o como motivación para despertar nuevos gustos. Pero el cine siempre será mejor en el cine.

Un paseo por el videodanza. DV8 PHYSICAL THEATRE O EL TEATRO FÍSICO DE DV8 – Por Sergio Cardozo.

Videodanza. ¿El ojo que mira la danza?. ¿Es el videodanza un nuevo lenguaje artístico? o ¿no es ninguno de los dos?; ¿cuál es la frontera, hay límites, es necesario buscarlos?;  ¿es el ojo que está detrás de la cámara una nueva forma de mirar la danza? ó ¿es la danza, que en su intento de fijarse en el tiempo, busca este recurso para contar y mostrar un enfoque nunca antes visto?

En esta nueva entrega de la etiqueta deseo acercar el trabajo de una de las mejores compañías que ha dedicado parte de su trabajo a la creación videográfica, de la que podremos ver algunos fragmentos que nos permiten estas redes.

DV8 Physical Theatre es una compañía de teatro físico –para mí de danza-  que comenzó su andadura hacia 1985 en Londres cuando un grupo de bailarines independientes se unieron para investigar nuevas formas de expresión a través de la danza alejándose de las formas convencionales que les rodeaban, y lo cierto es que lo consiguieron. Nadie puede quedarse impávido después de ver alguna de sus obras, sean éstas de escenario o de vídeo. En la actualidad enmarcada en el movimiento Artsadmin (visión de conjunto), es decir, la conjunción de distintos lenguajes para un mismo fin: crear un producto estético a través de distintos lenguajes artísticos.

Desde su formación adquirió un estilo en los trabajos que les distingue de cualquier otra compañía de danza, ya desde su nombre. No desecha ningún posible recurso para cargar cada una de sus piezas con un marcado tinte emocional –que va desde lo cómico a lo erótico- a través de un trabajo físico que a veces puede resultar duro y violento.

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MODERNO/CONTEMPORÁNEO. Introducción – Por Sergio Cardozo

El Hombre de Vitruvio - Leonardo Da Vinci 

Al igual que la historia de la propia humanidad la danza MODERNA/CONTEMPORÁNEA no es más que una evolución natural de este lenguaje artístico que va desarrollándose y evolucionando a partir de diferentes acontecimientos históricos socio-culturales desde finales del Siglo XIX y el pasado Siglo XX. Hasta hoy día, en los inicios de este siglo XXI y gracias a la tan mentada “globalización” el lenguaje dancístico –como cualquier otro tipo de expresión- se caracteriza por la heterogeneidad de estilos, complejas y cambiantes fusiones que se entrecruzan de tal manera que llega a ser difícil trazar los límites de lo que es y lo que no es danza.

Pero no estoy aquí para establecer esos límites ni polemizar sobre lo que es o deja de serlo. A través de este nuevo etiquetado iremos haciendo un breve recorrido de esta evolución a través de algunas teorías sobre el cuerpo, los modos de representación, las tendencias estéticas y hasta las modas que han ido surgiendo a lo largo de estos breves años de la historia de la danza moderna/contemporánea. Una prolífica historia que nos permite disfrutar, dependiendo de nuestros propios gustos, de un amplio abanico  de formas y estilos de danza.

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Técnicas Escénicas para la danza. ILUMINACIÓN. Por Sergio Cardozo Perot

El tratamiento de la luz en escena abarca una extensa serie de conceptos técnicos y estéticos a la hora de realizar esta tarea para la puesta a punto de un montaje, sea de danza o cualquier tipo de espectáculo escénico. Para mí es uno de los temas fundamentales por el simple hecho de que sin luz el espectáculo no se ve; salvo que se haga con luz natural o al aire libre.

El gran desarrollo de la iluminación escénica comienza realmente a partir de la aparición de la luz eléctrica, un poco más tarde con la evolución de los equipos técnicos, (focos, espectro y temperatura de las lámparas) y finalmente a través del diseño lumínico como soporte fundamental para contar la propia escena. Hay un elemento que acompaña al hecho lumínico y que también entra en juego: las sombras que provocan en los ejecutantes y sobre el propio escenario.

Existen varios profesionales encargados de desarrollar los aspectos involucrados en este tema, aunque en pequeños teatros o compañías estas labores suelen estar centralizadas en muy pocas personas. Podemos mencionar al diseñador, los técnicos de montaje, el técnico de mesa y hasta un maestro de luces en caso de espectáculos con orquesta en directo.

En la actualidad la iluminación ha dejado de ser un mero medio para que el espectáculo simplemente se vea, sino que además forma parte fundamental en la expresión de la propia obra: focalizando escenas, creando ambientes y transmitir el lado emocional de la representación, por medio de la ubicación de los focos, los colores, la duración, las transiciones y  hasta las formas o recortes de los ases de luz.

La técnica de iluminación requiere, además de oficio, conocimientos relacionados con la composición plástica,  los colores, las texturas, colores de vestuario-maquillaje y un largo etcétera que muchas veces se dejan de tener en cuenta para que sirvan de apoyo y que pueden llegar incluso a ser la verdadera protagonista o soporte fundamental en escena, como a veces sucede también con la escenografía, objetos, maquinaria o los propios bailarines.

Aunque sabemos que los espectáculos grabados pierden algo de la espontaneidad y expresión en una pantalla, espero que sirvan los ejemplos que presento, teniendo en cuenta que muchos son solo extractos de obras de más larga duración.

Las sugerencias de siempre: pantalla completa y sonido. Algunos vídeos no me permiten crear la ventana, así que tendrás que pinchar sobre el enlace escrito. Aprovecha a verlos lo antes que puedas porque ya sabes que en la red también van desapareciendo los contenidos.

Pero si puedes..., si te atreves..., no dejes de verla en directo allí donde estés. Si te gusta este artículo puedes difundirlo libremente en tu Facebook o Twitter. Sergio.

Empezaremos por estos ejemplos…