BIBLIOGRAFÍA: HISTORIA DE LA DANZA – Por Sergio Cardozo

“Una lengua no nace. Se hace”

Escrito encontrado en el Monasterio de Yuso.

Monasterio de Yuso en San Millán de la Cogolla

¿Y qué mejor que la imagen de los monasterios de San Millán como "cuna de la lengua", "cuna del castellano", o "cuna del vascuence", para iniciar este etiquetado de nuestra biblioteca?

Ubicados en la española provincia de La Rioja, Los Monasterios de Suso y Yuso de San Millán de la Cogolla fueron declarados Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO el 4 de diciembre de 1997, por razones históricas, artísticas, religiosas, lingüísticas y literarias. 

Con el glosario del monje que intentaba descifrar unos textos en latín comenzó hace más de 1.000 años el camino de la lengua castellana. (Si quieres darte un paseo virtual dejaré el enlace a la página oficial, pero si te pasas por Logroño mejor ir a darse un buen paseo por esos paisajes).

Ya he mencionado alguna vez que a pesar de ser nuestra lengua la segunda más hablada en el mundo y la tercera en las redes, vuelvo a insistir en lo complejo que resulta a veces encontrar textos de danza en nuestro idioma. También me resulta paradójico y muchas veces hasta triste que en este mundo tan globalizado y como habitante de un país tenga muchas veces la barrera de la comunicación por no entender otros tantos idiomas: aranés, catalán, euskera, gallego o mallorquí (entre otros). Pero salvando esta barrera idiomática debido a la riqueza de lenguas en España hoy quiero compartir una breve bibliografía sobre la historia de la danza.

Destacar que muchas de las publicaciones se deben gracias no sólo a las editoriales españolas sino que acrecientan este legado editores latinoamericanos, sobre todo argentinos, mejicanos y cubanos.

La selección de esta bibliografía en castellano ha sido todo lo exhaustiva que he podido rescatar de los fondos de mi propia biblioteca. Estoy seguro que podrás ampliarla en tu búsqueda personal y de acuerdo a tus intereses y motivaciones.

Si lo deseas estás invitado a sugerir otros títulos utilizando la ventana de comentarios en el blog que nos pueda ayudar a todos los lectores. En alguna otra entrega ampliaré esta bibliografía con temas más específicos de técnicas, anatomía, pedagogía, etc.

Quiero disculparme con los compañeros de danza española, folclore y flamenco por no incluir textos de su especialidad por no ser mi especialidad; seguro que tenéis mucha bibliografía que aportar al respecto.

Un saludo y hasta la próxima entrega. Sergio

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Y las sugerencias bibliográficas son:

Un paseo por la danza… PASO A DOS – Por Sergio Cardozo

También llamado en el lenguaje del ballet “Pas de deux” o “Grand pas de deux” es el dúo o variación en pareja que realizan los protagonistas de la historia dentro de una obra de ballet. Tiene sus orígenes en la época del ballet de acción en el siglo XVIII y evoluciona a lo largo del siglo siguiente.

Se le atribuye al coreógrafo Marius Petipa (1818-1910, francés radicado en Rusia), la estructura fijada con el siguiente formato: un adagio, una variación masculina, una variación femenina y coda.

En el prefacio del libro “Grands portés de pas de deux” de Gilbert Serres, Maurice Béjart escribe: “En un ballet, el ‘pas de deux’ casi siempre es el momento dramático y a la vez lírico en que se produce el nudo o el desenlace de la acción, o el juego del amor y de la muerte, que es la base de toda dramaturgia. El ‘pas de deux’ alcanza el punto culminante y nos dirige hacia el desenlace”.

Es en este momento dentro de una obra de ballet o de danza, en el que el dúo o pareja de protagonistas realizan el mayor despliegue de virtuosismo dancístico e interpretativo y donde las grandes estrellas del ballet llegan a ganar las cotas de popularidad y fama. Tal es así que hoy día muchas galas y espectáculos de danza recurren al “pas de deux” como reclamo del público en algunas representaciones.

Uno de los elementos de mayor dificultad en el desarrollo del “pas de deux” son sin lugar a dudas los “portés”, en el que el personaje masculino sujeta, eleva –con o sin desplazamiento- a la bailarina en el escenario para luego hacerla descender y situarla en contacto con el suelo. Un intrincado mecanismo del que se requiere mucha técnica y entrenamiento para su buena ejecución.

El paso a dos o dúo evolucionará a lo largo de la historia de la danza en el siglo XX con la danza contemporánea, llegando al intercambio en los roles de ejecución e incluso realizándose a ras de suelo. Pero esto lo dejaremos para otra entrega.

En el paseo de hoy te invito a visionar alguno de los pasos a dos más famosos que hicieron populares los grandes coreógrafos y bailarines de ballet.

Tiempo relajado, una buena conexión a internet y lo de siempre: pantalla completa y sonido. Alguno de los vídeos no me permiten crear la ventana, así que tendrás que pinchar sobre el enlace escrito. Aprovecha a verlos lo antes posible porque ya sabes que en la red también van desapareciendo los contenidos. Buen día y hasta la próxima entrega. Si te gusta este artículo puedes difundirlo libremente en tu Facebook o Twitter. Sergio. 

Bienvenidos a este viaje y a disfrutar de estas tres perlas…

Un paseo por la danza… LA DANZA EN LA ÓPERA – Por Sergio Cardozo

Comedia Francesa de París
Acuarela de A. Meunier, París, siglo XVIII).

Permitirme que en el breve paseo de hoy os acerque algunos ejemplos de la inclusión de la danza dentro del gran boato del espectáculo operístico.

Quien no sepa o no haya aprendido a disfrutar de los espectáculos en vivo quizás tampoco llegue a comprender la emoción que uno puede llegar a sentir ante tanto despliegue de canto, música y baile. Todas estas artes rodeadas de montajes asombrosos, casi, casi de ciencia ficción. Algo simplemente mágico, de emoción para todos los sentidos.

Y en esta emoción gana la interpretación, la música y el canto, pero también la danza. Como sucede casi  siempre cuando todos los elementos se integran para transmitir aquello que el/los autores han pretendido expresarnos la emoción llega hasta la butaca, te atraviesa, te agarra, te sacude y te transporta.

Un paseo por el videodanza – LA GENIALIDAD DE PHILIPPE DECOUFLÉ – Por Sergio Cardozo

PHILIPPE DECOUFLÉ
La expresión de un genio

En el post del etiquetado “Un paseo por la danza: Bailando con las manos” incluí una de las joyas ante la cámara firmada por este gran creador de danza contemporánea francesa: LE P'TIT BAL. 

En la entrega de hoy deseo profundizar un poco más en su biografía y visionar pequeñas escenas de algunas de su extensa obra videográfica.

Nacido en 1961 y con tan solo 18 años Philippe Decouflé entró a formar parte de la compañía de uno de los precursores de la danza: Alwin Nikolaïs. Anteriormente había asistido a la Escuela Nacional de Circo en Francia, completando su formación en mimo con Marceau. Aprendió también de Merce Cunningham en Nueva York y bailó para R.Chopinot y K.Armitage.

En 1983 ganó el primer premio en uno de los concursos más prestigiosos de Europa de danza contemporánea Concours de Bagnolet con “Vague Café”. Ese mismo año fundó su propia compañía, la DCA (Diversité, Camaraderie, Agilité).

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REVISTAS DIGITALES DE DANZA I

La entrada lleva el número uno porque habrá un número dos, claro. Y lo habrá por la cantidad de información que hay para difundir entre los lectores amantes de la danza. Amantes de la danza, pero sobre todo lectores.

Sin lugar a dudas hemos pasado de la era de la imagen a la era digital, cualquier noticia o información nada a sus anchas por estas redes, pero se hace preciso tener objetivos claros en la búsqueda de ellas.

Resulta baldío desde este blog de difusión de danza intentar debatir la actual lucha entre publicación en prensa versus publicación digital; lo cierto es que una pantalla de ordenador no sustituirá a las publicaciones en papel; ambas existen y deberán aprender a convivir si seguimos creyendo que ambas intentan acercarnos sus contenidos.

Hablamos aquí de publicaciones digitales en formato de revista y no simplemente de webs o blogs dedicados a la danza, aunque también intentaré informar sobre aquellas que considero interesantes por sus contenidos, desde mi humilde criterio claro está.

Creo que si cada escuela de danza privada u oficial y cada profesor de esas escuelas estimularan a sus alumnos la lectura de las publicaciones de danza en papel, éstas no hubieran sucumbido al dramático proceso de desaparición en estos últimos tiempos (hoy día sólo sobreviven “Por la Danza” y “Susy Q” editadas en Madrid).

Mi deseo es que no corran la misma suerte las publicaciones digitales y que todos contribuyamos a apoyarlas y difundirlas. Sea en papel o digital existe un equipo inmenso de personas que nos  comparten sus opiniones, críticas de espectáculos, información histórica o médica y en general la actualidad del quehacer de coreógrafos, compañías, bailarines, etc.

De las seis revistas que comparto hoy, las tres primeras son en las que encontraréis información más actualizada, las otras tres puedes archivarlas para tirar de hemeroteca.

Bienvenido al viaje de la difusión de la danza y hasta la próxima entrega. Sergio.

Aquí están las sugerencias....

Técnicas Escénicas para la Danza. EL VESTUARIO. Por Sergio Cardozo Perot

Desde las máscaras y túnicas que utilizaban los griegos como precursores del teatro occidental, el tratamiento del vestuario en escena ha sufrido importantes variaciones en función de la evolución de la propia humanidad. Uno de los aspectos fundamentales del vestuario en escena en aquellos inicios era el color y el material con que estaban confeccionados los trajes como verdaderos símbolos para definir los personajes y hasta la propia dramaturgia de las obras representadas. Desde aquel teatro clásico, pasando por el medieval y los siglos del renacimiento el traje escénico ha sufrido variación en función del estilo y dramaturgia de las puestas en escena; pero no es la pretensión desde aquí hacer historicismo al respecto.

Figurinistas y técnicos de realización del vestuario son los profesionales involucrados en esta tarea que puede alcanzar tal magnitud en la producción que incluso a veces se suele recurrir a los grandes diseñadores de moda para prestigiar las representaciones. Dentro de las técnicas de vestuario incluyo también a la secciones de peluquería, zapatería y maquillaje.

Según se trate de teatro realista o de verosimilitud y hasta llegar a la gran revolución escénica de la vanguardia surgida  con los Ballets Rusos de Diaghilev, la ropa en escena puede cumplir muchas funciones y también cuenta historias; quizás la mayor función es la evocadora: momento histórico, geográfico, cultura, oficios, estados de ánimos y un largo etcétera en donde a veces se incluye la propia expresión del personaje y gestos.

Como suele suceder a lo largo de la historia, no nos podemos olvidar ni siquiera en este tema, el de los usos y modas de cada época donde el vestuario y la propia desnudez formarán parte del hecho escénico. Pero mucho más allá está la magia de la teatralidad que es capaz de crear el vestuario y trasvasar incluso los límites de lo imaginable, creando verdaderos mundos a veces irreconocibles.

Desde Noverre que nos sugería -en “Cartas sobre la danza y los ballets”- la idea de la búsqueda de un espectáculo completo e integrado, muchos son los artistas que tuvieron las miras de que cada elemento de la representación tuviera que ver con el sentido que intentaba transmitir un espectáculo. A veces por falta de talento y en muchos casos por falta de medios (sobre todo económicos), el tema del vestuario es algo que también suele no adecuarse a las necesidades ni de la idea, ni de los intérpretes o de las posibilidades expresivas que éste representa.

Como suele suceder algunas obras escénicas de los grandes creadores e innovadores han servido y seguirán sirviendo para abrir sendas a la creatividad para otras generaciones; sin embargo a veces se limitan solo a copiar formas y no conceptos expresivos.

He aquí algunos ejemplos que me resultan recurrentes por el acierto de medios expresivos del vestuario utilizado aunque hay muchos más creadores para que sigamos conociendo con respecto a este tema... Bienvenido a esta velada...

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La danza en el cine: STEP UP y sus secuelas - Por Sergio Cardozo

He aquí la sección para conocer algunos de los títulos del cine en la que la protagonista es la danza o donde la danza es más que una mera excusa para contar historias. La relación que desde un principio ha tenido el cine con la danza es por todos conocida. No pretendo contar la cronología de dicha relación sino simplemente compartir con los lectores algunas pinceladas al respecto. Sergio

En esta entrega y con el nombre “STEP UP” encontramos una saga de 4 películas donde gracias al manido tema “chico conoce a chica y viceversa” encontramos la fusión entre la danza más académica y la danza de calle.

Aunque con algunos altibajos en los guiones y cuyos resúmenes en cada una de las entregas no desvelaremos aquí, son cuatro ejemplos para contar alguna historia donde: TODO ES DANZA.

El tema central de las películas ES LA DANZA; sus protagonistas BAILAN y hasta el propio conflicto de la trama es LA PROPIA DANZA que enfrenta al academicismo y a la danza de calle.

Con un lenguaje claro y directo nos acerca a parcelas de la vida y costumbres de la juventud actual, lo que supone un elemento de motivación para los jóvenes espectadores que en seguida quedan atrapados por la pantalla que se llena de música y baile. Cuatro historias algo más que previsibles pero llenas de escenas divertidas y entretenidos números musicales para disfrutar, como bien nos tiene acostumbrado el cine musical americano, con temas como los conflictos de estratos sociales, romances, espíritu de aventura y de sueños compartidos o en fuego cruzado.

Os dejo la ficha técnica de cada entrega y algún número musical de cada una de ellas. Seguro que la encuentras en cualquier tienda y también por estas redes. Interesantes producciones para cualquier estudiante, profesional o aficionado/a a la danza o como motivación para despertar nuevos gustos. Pero el cine siempre será mejor en el cine.